El objetivo de este ensayo no es el de verificar la existencia de una influencia directa de ciertos poemas o autores sobre el álbum analizar. De hecho, la intención principal tras este análisis es la de demostrar al lector la utilización de ciertos elementos recurrentes y que a la vez coinciden, tanto en poesía como en las letras de dicho LP. Así pues, mostraremos como estos han formado parte de la tradición poética inglesa empezando con ciertas referencias al periodo del Romanticismo, ya que muchos de los elementos utilizados durante la poesía de los siglos XX y XXI siguen la estela de dicho periodo, el cual obviamente está influenciado por todo lo hecho hasta ese momento. Dicho esto, trataremos ciertos recursos, patrones o temas utilizados por poetas de estos dos siglos, los cuales se ven reflejados en “In the Court of the Crimson King”.

A diferencia de la poesía del periodo Isabelino o Barroco, el Romanticismo cambia radicalmente tanto el paradigma de la composición poética como la concepción que se tiene de esta. Mientras que previamente esta ha sido considerada un arte solo apto para la élite culta y el entendimiento de unos pocos estudiosos, durante la época romántica esto cambia. Por lo tanto, se pasa de hacer una poesía altamente recargada de recursos figurativos con unas estructuras de composición muy concretas a todo lo contrario. A partir de ahora, la poesía buscará la sencillez y la cotidianidad, buscando llegar a un público más amplio. Además, la idealización de lo natural o rural en contra de la creciente industrialización de la época, hará de esto el tema principal de la poesía, como un método de evasión de la realidad. Autores de este periodo como: Wordsworth, Coleridge, Percy Shelley o Lord Byron desarrollarán o reinterpretarán la utilización de ciertos elementos que serán heredados por autores como: Dylan Thomas, Seamus Heaney o T.S. Elliot. Dicho esto, durante estos análisis utilizaremos fragmentos de ciertos poemas para exponer lo previamente mencionado. El primer álbum es el reconocido “In The Court of The Crimson King” de King Crimson, el cual coincide con el inicio de la década de los 70 y la nueva ola de bandas de rock surgidas del Reino Unido con su consecuente evolución del género. 

El álbum debut de la banda King Crimson representa un caso extraordinario en la historia de la música rock, ya que no solo abrió un nuevo camino a lo que sería la rama progresiva de dicho género, que más tarde evolucionaría a lo que actualmente denominamos metal progresivo, sino que llamó la atención por la innovación de sus ideas. Así pues, hemos de tener en cuenta que el álbum fue grabado en 1969, el mismo año que el icónico album “The Velvet Underground and Nico” fue distribuido en el mercado. 

Nos encontramos a finales de los años 60, y Elvis, junto al grupo británico The Beatles, han desarrollado la música que difundieron ciertos artistas negros en los Estados Unidos, tales como Little Richard o Chuck Berry. Sin embargo, ni siquiera la música revolucionaria parece escapar al capitalismo, por lo que pronto se creó una gigantesca industria musical. El siguiente de esta historia es la oleada de grupos de dicha música en el Reino Unido durante la época de los años 70, tales como Cream o Pink Floyd. Así pues, nos encontramos en un momento donde había una manera muy concreta de componer, utilizando elementos muy explorados por la banda de Liverpool, tales como los estribillos, las estrofas, los puentes entre estas, etc. Sin embargo, “In the Court of the Crimson King” no solo explorará alternativas a estos elementos tan canonizados, sino que aportará variaciones de ritmos fuera del estandar 4 por 4 (provenientes de la música jazz de finales de los años 50), armonías fuera de lo común en dicho género y elementos psicodélicos que influirán a bandas posteriores. Sin embargo, King Crimson también representa uno de esos casos donde la agrupación alcanza su mayor éxito en su primer álbum, dejando una barrera insuperable para dicha banda a nivel profesional de cara al espectador. Incluso cuando la experiencia nos muestra que el artista mejora y madura con el paso del tiempo, puliendo su estilo, parece que estos grupos están destinados a cargar con su éxito prematuro como una maldición. Desde mi punto de vista, creo que estos casos se dan especialmente cuando la banda o artista aporta algo muy innovador al estilo, y que jamás se había hecho previamente, y marca profundamente a una generación de oyentes. Otros ejemplos similares son la banda “Rage Against the Machine” donde su álbum homónimo tuvo la misma experiencia, o la banda californiana “Linkin Park” tras sus dos primeros compact discs “Hybrid Theory” y “Meteora”. Así pues, King Crimson tiene una amplia discografía, aunque esta es desconocida para la mayoría del público de la época. Además, la inestabilidad dentro de la banda, en relación con los integrantes de esta a través de los años tampoco les ha ayudado. 

21st Century Schizoid Man

[Estrofa 1]

Cat’s foot, iron claw

Neurosurgeons scream for more

At paranoia’s poison door

[Estribillo]

Twenty-first century schizoid man

[Estrofa 2]

Blood rack, barbed wire

Politicians’ funeral pyre

Innocents raped with napalm fire

[Estribillo]

Twenty-first century schizoid man

[ruptura instrumental: «Mirrors»]

[Estrofa 3]

Death seed, blind man’s greed

Poets’ starving, children bleed

Nothing he’s got he really needs

[Estribillo]

Twenty-first century schizoid man

En 21st Century Schizoid man vamos a comparar los temas que se tratan con ciertos poemas que abordan las mismas cuestiones, pero en su propio estilo. De hecho, el descontento con la sociedad y los dirigentes a finales de la década de los 60 es lo que se trata en esta letra, ya que el contexto histórico nos sitúa tras dos guerras mundiales y dos conflictos realmente presentes en ese momento, tales como la guerra fría y la de Vietnam. Así pues, tenemos ciertas palabras que resaltan la decadencia de la cordura humana, como “paranoia” o “schizoid”, la cual está asociada a un transtorno donde el ser humano no tiene interés alguno en relacionarse con otras personas, aludiendo a la falta de entendimiento entre estas. Por otro lado, las referencias a los conflictos bélicos previamente mencionados se reflejan en la segunda estrofa, en palabras como “barbed wire” o “napalm fire”. El rumbo de la humanidad hacia el caos y el desorden los vemos más adelante, en esa numeración de elementos de la tercera estrofa: “Death seed, blind man ‘s greed, Poets’ starving, children bleed”. La frase “Nothing he’s got he really needs” es una alusión al capitalismo y la acumulación de bienes innecesarios o valores contrarios al amor. 

La decadencia en sí es un tema recurrente en la historia del arte, por lo que este ha sido tratado en el ámbito poético también. De hecho, Percy Shelley lo aborda en su conocido Ozzymandias, cuando deja en evidencia la falsa grandeza que representa la estatua del faraon y su reino. El reflejo del tiempo lo encontramos en los conocidos versos: “Nothing beside remains. Round the decay, Of that colossal Wreck, boundless and bare, The lone and level sands stretch far away”. Por otro lado, William Butler Yeats, quien representa esa transición de periodos, también trata de una manera muy sutil su descontento político en los conflictos de la época que le tocó vivir, así lo vemos en el poema “Politics”, donde podemos leer: “What he talks about, And there’s a politician, That has both read and thought, And maybe what they say is true, Of war and war’s alarms, But O that I were young again, And held her in my arms”. 

Como ejemplo de esta temática en la poesía del siglo XX y XXI  es el escritor T.S Eliot en su poema “Wasteland” quien nos ofrece una visión mucho más cruda de una realidad en decadencia. Este efecto lo consigue el autor utilizando escenas muy concretas y detalladas, aunque muchas de ellas cargadas de gran ambigüedad. Un ejemplo de esto lo encontramos en la segunda parte del poema, llamada “A Game Of chess”, donde en cierto momento una mujer empieza a tener una conversación con alguien o bien con ella misma, la cual denota ese declive del ser humano y su mente tras los estragos de la primera guerra mundial. En la conversación podemos leer: 

“My nerves are bad tonight. Yes, bad. Stay with me.

Speak to me. Why do you never speak. Speak.

What are you thinking of? What thinking? What?

I never know what you are thinking. Think.

 I think we are in rats’ alley

Where the dead men lost their bones.

What is that noise?

The wind under the door.

What is that noise now? What is the wind doing?

Nothing again nothing.

Do You know nothing? Do you see nothing? Do you remember Nothing?”

I Talk to the Wind

[Estrofa 1]

Said the straight man to the late man

«Where have you been?»

I’ve been here and I’ve been there

And I’ve been in between

[Estribillo]

I talk to the wind

My words are all carried away

I talk to the wind

The wind does not hear

The wind cannot hear

[Estrofa 2]

I’m on the outside looking inside

What do I see?

Much confusion, disillusion

All around me

 might also like

[Estrofa 3]

You don’t possess me, don’t impress me

Just upset my mind

Can’t instruct me or conduct me

Just use up my time

[Ruptura instrumental]

El concepto de “straight man” es mencionado en “I talk to the wind”, donde este estereotipo le pregunta al llamado “late man”, quien representa todo lo contrario, donde ha estado. Esta estrofa nos recuerda a la típica conversación de trabajo, donde el jefe reprende al empleado por llegar tarde. Esto pues, es una crítica al considerado estilo de vida convencional de la época, ya que durante la canción será este último quien nos exprese como ve el mundo, sintiéndose un “outsider” dentro de este. Además, este también resalta las contradicciones o puntos negativos de esta sociedad en “What do I see? Much confusion, disillusion, All around me”. En la estrofa número 3 podemos apreciar de nuevo esa crítica al sistema capitalista, pero ahora especialmente al ámbito corporativo y de las grandes empresas: “You don’t possess me, don’t impress me, Just upset my mind, Can’t instruct me or conduct me,Just use up my time”.

Pese a que la temática que quiere abordar la canción es bastante evidente, creo ver en el estribillo esa misma cuestión pero ahondando más en ella, y en lo que este tema representa. Por lo tanto, percibo una conversación entre esa mentalidad más romántica o sensible que le habla al viento, pero que que se ve interrumpida por el pensamiento racional más asociado al concepto de “straight man”, quien le dice que eso no tiene ningún sentido. Además, esta parte de la canción le otorga un aura de misticismo o de fantasía que se verá de forma más notoria en algunas de las canciones venideras. 

Como en la primera pista hemos analizado la temática, en este vamos a centrarnos en la utilización del elemento del viento, el aire o la brisa, ya que este es uno de los más icónicos en la poesía del Romanticismo. De hecho, podemos encontrarlo reiteradas veces en uno de los poemas más destacables del icónico poemario “Lyrical Ballads” de Coleridge y Wordsworth: “The Rime of the Ancient Mariner”, donde se relata el viaje de un marinero. Además, históricamente este se ha relacionado con Dios, y de hecho, podríamos otorgarle esta interpretación también en “I talk to the wind”. Por otro lado, hemos escogido el poema  “Synge on Aran”, de Seamus Heaney, como ejemplo de la utilización de este elemento en el periodo de la poesía del siglo XX y XXI. En este texto el poema no solo hace una descripción del paisaje y los acantilados de la isla de Arán, sino que también es un dedicatoria al poeta irlandés John Millington Synge. Esto nos recuerda mucho a la tradición y estilo del Romanticismo, ya que Heaney trata lo natural y rural en muchos de sus poemas, especialmente en su obra temprana “Death of a Naturalist”.

Epitaph

[Introducción instrumental]

[Estrofa 1]

The wall on which the prophets wrote

Is cracking at the seams

Upon the instruments of death

The sunlight brightly gleams

When every man is torn apart

With nightmares and with dreams

Will no one lay the laurel wreath

When silence drowns the screams?

[Estribillo]

Confusion will be my epitaph

As I crawl, a cracked and broken path

If we make it, we can all sit back and laugh

But I fear tomorrow I’ll be crying (x3)

[Estrofa 2]

Between the iron gates of fate

The seeds of time were sown

And watered by the deeds of those

Who know and who are known

Knowledge is a deadly friend

If no one sets the rules

The fate of all mankind, I see

Is in the hands of fools

[Ruptura instrumental: «March for No Reason»]

[Estrofa 1]

The wall on which the prophets wrote

Is cracking at the seams

Upon the instruments of death

The sunlight brightly gleams

When every man is torn apart

With nightmares and with dreams

Will no one lay the laurel wreath

When silence drowns the screams?

[Variación del estribillo]

Confusion will be my epitaph

As I crawl, a cracked and broken path

If we make it, we can all sit back and laugh

But I fear tomorrow I’ll be crying (x6)

[Ruptura instrumental: «Tomorrow and Tomorrow»]

El miedo a un futuro sin esperanza podría ser el resumen de “Epitaph”, donde la temática sigue la misma linea que las anteriores dos canciones. Sin embargo, también se utilizan elementos que no han sido utilizados antes.  De hecho, en la primera estrofa tenemos el reflejo de la pérdida de valores en la sociedad utilizando la metáfora del muro que se resquebraja, concretamente en: “The wall on which the prophets wrote Is cracking at the seams”. Por otro lado, la utilización de la palabra “wreath” unos versos más abajo, la cual está asociada a la victoria y nos recuerda al imperio romano, nos indica que bajo el caos estos símbolos dejarán de tener significado. Además, en el estribillo se utiliza la que probablemente sea una de las metáforas más antiguas de la historia, es decir, la del camino que recorre el ser humano, o en este caso, la humanidad. El uso de “a cracked and a broken path” nos está indicando de nuevo esa pérdida del camino correcto. Por otro lado, el tema del destino se vuelve a tratar en la segunda estrofa, al igual que el descontento político en la última línea de este: “The fate of all mankind, I see, Is in the hands of fools”. En esta estrofa también tenemos  metáforas que utilizan elementos naturales, tales como: “The seeds of time were sown, And watered by the deeds of those”. 

El mismo título de esta composición nos recuerda a las elegías de poetas como John Donne en el siglo XVI, por no mencionar que el autor del Romanticismo, Coleridge, escribió un poema con el mismo título. Así pues, el tema de la muerte está obviamente ligado a ese concepto de decaimiento que llevamos tratando durante todo el álbum. Por lo tanto, encontramos una temática muy similar y elementos comunes en los poemas del siglo XX “Poem on his Birthday” y “Do not go gentle into that good night” de Dylan Thommas, los cuales tratan algunas de estas temáticas. Si conocemos un poco al autor, no solo sabemos que la utilización de elementos naturales están intrínsecamente ligado a su poesía, sino que además fue un autor que trató ampliamente el tema de la muerte debido al contexto histórico de la segunda guerra mundial, el cual vivió. 

Sumergiéndonos en la búsqueda de puntos en común, en la quinta estrofa de “Poem on his Birthday” encontramos ciertos versos que nos recuerdan no solo a la fatalidad representada en el estribillo de “Epitaph”, sino una frase que nos recuerda al repetido “But I think tomorrow I’ll be crying”, concretamente en “And tomorrow weeps in a blind cage”.

Por otro lado, el tema del camino roto o “broken path” también se refleja en el poema dedicado al fallecido padre del autor, donde la senda de la vida se ve truncada por la muerte. De hecho, durante todas las estrofas podemos leer dos frases recurrentes a modo de estribillo: “Do not go gentle into that good night” y “Rage, rage against the dying of the light”. En la última estrofa del poema podemos leer:

Moonchild

[Estrofa 1]

Call her moonchild

Dancing in the shallows of a river

Lonely moonchild

Dreaming in the shadows of a willow

[Estribillo]

Talking to the trees of the cobweb strange

Sleeping on the steps of a fountain

Waving silver wands to the night-bird’s song

Waiting for the sun on the mountain

[Estrofa 2]

She’s a moonchild

Gathering the flowers in a garden

Lovely moonchild

Drifting in the echoes of the hours

[Estribillo]

Sailing on the wind in a milk white gown

Dropping circle stones on a sun dial

Playing hide and seek with the ghosts of dawn

Waiting for a smile from a sun child

[Sección instrumental: «The Illusion»]

La evasión o huida de la realidad es a lo que nos recuerda “Moonchild”, la cual describe un paisaje mediante la abundante utilización de elementos naturales, lo cual nos vuelve a recordar al Romanticismo. Elementos como: “moon”, “river”, “willow”, “trees”, “fountain”, “mountain”, “sun”, “flowers”, “echoes”, “wind”, “stones”, “cobweb”, “ghost of dawn” o “child”, nos llevan inmediatamente a esa atmósfera rural. Además, el aura de magia o misticismo que estaba un tanto presente en “I talk to the wind” se despliega con toda su intensidad en esta canción y en la siguiente. De hecho, todo lo previamente expuesto contrasta radicalmente con “Moonchild”, por lo que podemos considerar esta canción una especie de oasis en medio de todo el caos tratado hasta el momento, causando una sensación de calma en el oyente. De hecho, nos llama la atención que la sección instrumental que sigue esta corta parte de la canción se denomina “The Illusion” lo cual parece reforzar lo comentado.

El poema “The hunchback in The Park” de Dylan Thomas, nos recuerda en ciertos aspectos a esta canción, donde un enigmático jorobado contrasta con su entorno, el cual es un parque infantil. Durante el poema dicho lugar se transforma en algo fantasioso, como método de alienación o escape de la realidad también. De hecho al principio de este apreciamos elementos naturales, algunos de los cuales coinciden con los nombrados en el párrafo anterior:

Por otro lado, unas estrofas más adelante vemos esta transformación del parque, que nos lleva directamente a esa fantasía que nos recuerda a “Moonchild”:

The Court of the Crimson King

[Estrofa 1]

The rusted chains of prison moons

Are shattered by the sun

I walk a road, horizons change

The tournament’s begun

The purple piper plays his tune

The choir softly sing

Three lullabies in an ancient tongue

[Estribillo]

For the court of the crimson king, aah

Aah, aah

[Estrofa 2]

The keeper of the city keys

Put shutters on the dreams

I wait outside the pilgrim’s door

With insufficient schemes

The black queen chants the funeral march

The cracked brass bells will ring

To summon back the fire witch

[Estribillo]

To the court of the crimson king, aah

Aah, aah

[Puente instrumental]

Aah, aah

Aah, aah

[Estrofa 3]

The gardener plants an evergreen

Whilst trampling on a flower

I chase the wind of a prism ship

To taste the sweet and sour

The pattern juggler lifts his hand

The orchestra begin

As slowly turns the grinding wheel

[Estribillo]

In the court of the crimson king, aah

Aah, aah

[Solo de flauta: «The Return of the Fire Witch»]

[Estrofa 4]

On soft gray mornings widows cry

The wise men share a joke

I run to grasp divining signs

To satisfy the hoax

The yellow jester does not play

But gently pulls the strings

And smiles as the puppets dance

[Estribillo]

In the court of the crimson king, aah

Aah, aah

Aah, aah

[Sección instrumental: «The Dance of the Puppets»]

La última canción del álbum representa el climax de esa decadencia presente durante todo el álbum, la cual se combina con esa aura imaginativa y fantasiosa, en una especie de reino medieval que nos recuerda en cierta forma a “Dungeons and Dragons” o “The Lord of the Rings”. Así pues, y adentrándonos en el análisis, la primera estrofa ya nos muestra ese declive en las dos primeras frases, sumándose a la metáfora del camino, ya tratada previamente, en la tercera: “The rusted chains of prison moons Are shattered by the sun, I walk a road, horizons change”.  De hecho, también se perciben ciertas referencias a un lugar extranjero o antiguo en “Three lullabies in an ancient tongue”, que nos puede recordar a lo oriental y la poesía de Lord Byron. En la siguiente estrofa tenemos un augurio de la muerte en “The black queen chants the funeral march, The cracked brass bells will ring, To summon back the fire witch”.  Durante la estrofa tercera tenemos numerosos elementos asociados a lo natural de nuevo, tales como: “ship”, “sour”, “sweet” o“wheel”. En la última estrofa la decadencia se vuelve a mencionar en: “On soft gray mornings widows cry, The wise men share a joke”.

Un poema que tiene gran cantidad de elementos en común con “In the Court of the Crimson King” es “The Hollow Men” de T.S Eliot, donde se mencionan los estragos de la primera guerra mundial, pero además también utiliza múltiples alusiones a ese vocabulario que nos recuerda a lo medieval, concretamente en su uso reiterado de la palabra “Kingdom”. De hecho, en el fragmento expuesto más abajo se pueden apreciar, una vez más, la utilización de elementos relacionados con la naturaleza, tales como: “dream”, “tree”, “fading star”, “rat” o “twilight”. Por otro lado, también tenemos alusiones a lo funesto, como: “Sunlight on a broken column”.

Conclusión

Tras el análisis y comparación de las canciones de “In the Court of the Crimson King” con los fragmentos de los poemas expuestos creo que podemos afirmar sin ningún tipo de dudas que la conexión entre la tradición poética inglesa y la música popular del siglo XX es realmente notoria y existente. Es más, estos elementos no solo se salen de la tradición poética Inglesa, ya que esta es una consecuencia de la influencia de civilizaciones anteriores a la creación de las potencias o naciones europeas. Consecuentemente, como el lector ya puede imaginarse, el origen de estos temas o elementos podrían rastrearse hasta sus mismos arquetipos, los cuales tienen sus orígenes en las primeras civilizaciones del mundo.

Bibliografía

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AllPoetry. (s. f.). AllPoetry: The world’s largest poetry community,

de https://allpoetry.com/

Music Radar. (2022, 31 de diciembre).LO QUE KING CRIMSON REPRESENTA [Video]. YouTube. https://www.youtube.com/watch?v=DbA_It-kmD8

Ackerman, J. (1991). A Dylan Thomas companion: Life, poetry and prose. Macmillan.​